Nationalité : Royaume-Uni
Né(e) à : Londres , le 21/03/1925
Mort(e) à : Paris , le 02/07/2022
Né(e) à : Londres , le 21/03/1925
Mort(e) à : Paris , le 02/07/2022
Biographie :
Peter Brook est un metteur en scène, acteur, réalisateur et écrivain britannique.
Il est le fils de deux juifs lituaniens immigrés en Angleterre. Il fait ses études au Magdalen College où il étudie la littérature comparée. En parallèle à ses études, il écrit des scripts pour la télévision.
Il a derrière lui une carrière éclectique : théâtre, films, opéras. Metteur en scène depuis l’âge de dix-sept ans, il monte, en 1955, "Titus Andonicus" à Londres, puis il assure la direction de Royal Shakespeare Theater à Stratford-upon-Avon, où il présente "Le Roi Lear". Par ailleurs, son travail expérimental: "Saison du théâtre de la cruauté" mêlant textes d'Artaud et "Les Paravents" de Genet en 1962 a démontré qu’on ne pouvait le cantonner à la pratique d’un théâtre consensuel. Il s'inspire à la fois du "théâtre brut" et du "théâtre sacré", ce qui donne aussi le célèbre Marat-Sade de Peter Weiss, en 1966.
Lorsque Peter Brook se fixe en France en 1970, ses mises en scène ont été des succès commerciaux et lui ont assuré une renommée internationale. Il traverse alors une crise d'identité qui le conduit à fonder le Centre international de recherches théâtrales qui s'installe en 1974 aux Bouffes du Nord.
Il réduit le décor a minima et s’inspire des traditions théâtrales et musicales extra-européennes pour monter "Timon d'Athènes" de Shakespeare (1974), "L’Os" (fabliau africain), "La Conférence des oiseaux" adapté d'un conte persan (1979), et "Ubu" (1977). Le célèbre Mahabharata, adapté de l'épopée indienne qui raconte l'origine du monde, est créé en Avignon en 1985 dans une représentation à ciel ouvert donnée du crépuscule à l'aurore. Ensuite, viendront "La Tempête" avec Sotigui Kouyaté (1990), puis "L’Homme qui" (1993) et "Hamlet" avec Adrian Lester (2000).
Il reçoit un Molière d'honneur à la 25e cérémonie des Molières en 2011.
Il est le père de réalisateur Simon Brook et de la metteur en scène Irina Brook.
Il décède le 2 juillet 2022.
+ Voir plusPeter Brook est un metteur en scène, acteur, réalisateur et écrivain britannique.
Il est le fils de deux juifs lituaniens immigrés en Angleterre. Il fait ses études au Magdalen College où il étudie la littérature comparée. En parallèle à ses études, il écrit des scripts pour la télévision.
Il a derrière lui une carrière éclectique : théâtre, films, opéras. Metteur en scène depuis l’âge de dix-sept ans, il monte, en 1955, "Titus Andonicus" à Londres, puis il assure la direction de Royal Shakespeare Theater à Stratford-upon-Avon, où il présente "Le Roi Lear". Par ailleurs, son travail expérimental: "Saison du théâtre de la cruauté" mêlant textes d'Artaud et "Les Paravents" de Genet en 1962 a démontré qu’on ne pouvait le cantonner à la pratique d’un théâtre consensuel. Il s'inspire à la fois du "théâtre brut" et du "théâtre sacré", ce qui donne aussi le célèbre Marat-Sade de Peter Weiss, en 1966.
Lorsque Peter Brook se fixe en France en 1970, ses mises en scène ont été des succès commerciaux et lui ont assuré une renommée internationale. Il traverse alors une crise d'identité qui le conduit à fonder le Centre international de recherches théâtrales qui s'installe en 1974 aux Bouffes du Nord.
Il réduit le décor a minima et s’inspire des traditions théâtrales et musicales extra-européennes pour monter "Timon d'Athènes" de Shakespeare (1974), "L’Os" (fabliau africain), "La Conférence des oiseaux" adapté d'un conte persan (1979), et "Ubu" (1977). Le célèbre Mahabharata, adapté de l'épopée indienne qui raconte l'origine du monde, est créé en Avignon en 1985 dans une représentation à ciel ouvert donnée du crépuscule à l'aurore. Ensuite, viendront "La Tempête" avec Sotigui Kouyaté (1990), puis "L’Homme qui" (1993) et "Hamlet" avec Adrian Lester (2000).
Il reçoit un Molière d'honneur à la 25e cérémonie des Molières en 2011.
Il est le père de réalisateur Simon Brook et de la metteur en scène Irina Brook.
Il décède le 2 juillet 2022.
Source : theatre-danse.fluctuat.net
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Cela fait soixante ans qu'il vit de sa plume, et rien que de sa plume. Romancier, scenariste, essayiste, dramaturge, mais avant tout conteur, Jean-Claude Carriere se demultiplie en de brillants avatars. de l'enfance a la ferme, sans un livre ni une image sur les murs, mais avec sous les yeux les magnifiques paysages du Languedoc, a son cher 9e arrondissement de Paris, la route a ete parsemee de rencontres exceptionnelles, desquelles decoulent de fructueuses collaborations. Luis Buñuel, avec qui il ecrit le Journal d'une femme de chambre, Belle de jour et le Charme discret de la bourgeoisie. le cher ami Peter Brook, avec qui il se lance dans l'aventure du Mahabharata, et qu'il voit encore deux fois par semaine. Mais aussi Pierre Étaix, Milos Forman, Jacques Deray… Jean-Claude Carriere est avant tout un merveilleux « passeur », et c'est bien pour cela que Jack Lang l'avait choisi pour creer la Femis. L'ecouter se raconter avec modestie, gentillesse et drolerie, c'est toujours la promesse de nouvelles histoires.
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Il* a été confirmé comme membre de l'église anglicane à 16 ans.
“Mais cela m’a conduit à penser, - pourquoi serait-ce mieux que l’Islam ? Alors j’ai lu sur l’Islam, et puis sur le Bouddhisme . Et cela m’a conduit en Inde. Mais je suis toujours à la case de départ. Goûter, tester, questionner et ne jamais arriver à une conclusion.”
( *Peter Brook a 94 ans et sa dernière pièce « Why » débute prochainement à Broadway)
“Mais cela m’a conduit à penser, - pourquoi serait-ce mieux que l’Islam ? Alors j’ai lu sur l’Islam, et puis sur le Bouddhisme . Et cela m’a conduit en Inde. Mais je suis toujours à la case de départ. Goûter, tester, questionner et ne jamais arriver à une conclusion.”
( *Peter Brook a 94 ans et sa dernière pièce « Why » débute prochainement à Broadway)
Je peux prendre n'importe quel espace vide et l'appeler une scène. Quelqu'un traverse cet espace vide pendant que quelqu'un d'autre l'observe, et c'est suffisant pour que l'acte théâtral soit amorcé.
J'ai écrit: "Je peux prendre n'importe quel espace vide et l'appeler une scène. Quelqu'un traverse cet espace vide pendant que quelqu'un d'autre l'observe, et c'est suffisant pour que l'acte théâtral soit amorcé". Je suis soulagé de retrouver le mot "amorcé". J'ajouterais aujourd'hui qu'il faut une troisième personne. S'il y a une personne qui se lève, une autre personne qui regarde, il y a déjà un acte. Tout y est, à condition que cela aille plus loin. Il faut ensuite la rencontre. Il faut trois éléments : une personne qui regarde, une personne qui peut être seule pendant quelques secondes, puis une troisième personne pour entrer en contact. Là, une vie peut commencer à circuler et il est possible d'aller extrêmement loin.
une mise en scène est établie et doit être reproduite-mais, du jour où elle est fixée, quelquechose d'invisible commence à mourir
Le perfectionnisme est souvent une arrogance et une sottise :dans une représentation théâtrale ,rien n'est plus important que les personnes qui la composent .Je me rendis compte, une fois pour toutes ,qu'il n'est pas vrai que tout doit être sacrifié sur l'autel du succès.
Tout le problème est de savoir s’il y a cette étincelle, cette petite flamme qui s’allume et qui donne une intensité à ce moment ramassé, ou pas. Car ramasser et condenser ne suffisent pas. On peut toujours réduire une pièce trop longue, trop bavarde, et cependant rester devant une chose ennuyeuse. Il est très étonnant de voir à quel point la forme théâtrale est exigeante parce que cette petite étincelle de vie doit être là, seconde après seconde.
Cela n’existe qu’au théâtre et au cinéma. Un livre peut avoir des creux mais au théâtre, d’une seconde à l’autre, le public peut être perdu si le tempo d’une scène n’est pas juste. Si je m’arrête maintenant de parler… on entend un silence… tout le monde est attentif… Il suffit d’un rien pour que ce moment d’attention soit perdu. Il est presque surhumain de pouvoir renouveler continuellement l’intérêt, trouver cette nouveauté, cette fraîcheur, cette intensité, seconde après seconde. C’est pour cela qu’il existe, par rapport à d’autres arts, que très peu de grands chefs-d’œuvre dramatiques dans le monde ; parce que le risque existe toujours, à chaque instant, que l’étincelle de vie disparaisse. Pour qu’elle soit présente, il faut analyser avec précision les raisons de son absence dans les autres moments. Pour cela, il faut observer avec clarté le phénomène.
Cela n’existe qu’au théâtre et au cinéma. Un livre peut avoir des creux mais au théâtre, d’une seconde à l’autre, le public peut être perdu si le tempo d’une scène n’est pas juste. Si je m’arrête maintenant de parler… on entend un silence… tout le monde est attentif… Il suffit d’un rien pour que ce moment d’attention soit perdu. Il est presque surhumain de pouvoir renouveler continuellement l’intérêt, trouver cette nouveauté, cette fraîcheur, cette intensité, seconde après seconde. C’est pour cela qu’il existe, par rapport à d’autres arts, que très peu de grands chefs-d’œuvre dramatiques dans le monde ; parce que le risque existe toujours, à chaque instant, que l’étincelle de vie disparaisse. Pour qu’elle soit présente, il faut analyser avec précision les raisons de son absence dans les autres moments. Pour cela, il faut observer avec clarté le phénomène.
Les pièces de Shakespeare sont comme des planètes. Dans leur incessant mouvement, elles s'approchent un moment de nous, puis s'éloignent en tourbillonnant sur leur orbite.
La question va très loin. Ce que l’on appelle la composition, construire un personnage, est un acte de construction progressive. A mon avis, cette méthode-là n’est pas le chemin créatif. Le chemin créatif est de faire une multitude de constructions provisoires en sachant que même si on a l’impression d’avoir trouvé le personnage un jour, cela n’est que temporaire. C’est seulement ce que l’on peut faire de mieux ce jour-là, mais il faut se dire que la vraie forme n’est pas encore là. La vraie forme n’arrive qu’au dernier moment, parfois même au-delà du dernier moment. C’est une naissance. La vraie forme n’est pas comme la construction d’un bâtiment, la suite d’une série d’actions constructives et logiques. Au contraire, le vrai processus de construction est en même temps une sorte de démolition. Cela veut dire que l’on s’achemine de plus en plus vers la peur, comme toute démolition. On crée un vide, on a moins de béquilles, moins de supports, on est de plus en plus en danger.
Notons que même lorsqu’on arrive à des moments de créativité véritable, dans une improvisation, dans une répétition ou dans une représentation, il existe toujours des risques de détruire cette forme, de la brouiller.
Notons que même lorsqu’on arrive à des moments de créativité véritable, dans une improvisation, dans une répétition ou dans une représentation, il existe toujours des risques de détruire cette forme, de la brouiller.
La vie quotidienne consiste à être n’importe comment. Si l’on passe un examen ou si l’on parle avec un intellectuel, on ne sera pas n’importe comment dans la pensée ou dans la parole, mais on le sera dans le corps. Avec une personne souffrante, on ne sera pas n’importe comment dans les sentiments, on sera doux, attentif, mais la pensée sera floue ou confuse, le corps aussi. Au contraire, si l’on fait un travail très délicat d’artisan, d’horloger, de couture, le corps entier sera mobilisé jusqu’aux doigts, mais la tête pourra rêver.
Pour être parfaitement clair sur les intentions que l’on échange avec l’autre personne, intellectuellement, sans trahir le vrai sentiment et que le corps soit juste et en équilibre, indiquant cela avec la plus grande sensibilité, on voit qu’aucun des trois éléments qui nous composent – pensée, émotion, corps – ne peut être « n’importe comment ».
Pour être parfaitement clair sur les intentions que l’on échange avec l’autre personne, intellectuellement, sans trahir le vrai sentiment et que le corps soit juste et en équilibre, indiquant cela avec la plus grande sensibilité, on voit qu’aucun des trois éléments qui nous composent – pensée, émotion, corps – ne peut être « n’importe comment ».
Nous avons perdu le sens du rite et de la cérémonie, que ce soit pour Noël, les anniversaires ou les enterrements. Seuls les mots demeurent en nous, même si d’anciens élans renaissent au plus profond de nous-mêmes.
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